Más linea y menos manga

Gráficamente me enseñaron, y cuando me tocó enseñe, que la línea es una sucesión infinita de puntos. Que es el elemento básico de la gráfica, que es el más usado, que es sencillo y puro, como también variable y dinámico, tan enérgico que con solo su presencia crea tensión y puede llegar a opacar a otros elementos.

Sobre ese concepto primo de la gráfica se monto Cava, alias de Osvaldo Cavandoli, que después de trabajar en diseño para la Alfa Romeo italiana, deja las cuatro ruedas y se dedica al dibujo simple para crear a su amigo, La Linea, que lo catapulta a la fama de la temprana animación de 1969.

El personaje recorre La Linea y todo pertenece a ella, incluso el mismo, encontrándose en el camino obstáculos y aventuras, que para ser superados recurre a la misma mano de Cava que con su ayuda, y luego de haber mostrado su mal carácter, logra seguir caminando por ella misma.

Cava dejo de dibujar su Linea apenas hace un mes, a la edad de 87 años.

Se pueden conseguir compilados en dvd en países como Italia y Francia en donde se siguen transmitiendo sus capítulos. Así que la compra por la red, aunque un poco complicado, se puede lograr.

Les dejo para que disfruten uno de los capítulos, que gracias a la gran cachivachera de EU pude pegar con su ayuda en el blog.

Cubismo a la vasca

Inspirado por las fotográficas en blanco y negro publicadas en el periódico francés Ce Soir tituladas Visiones de Gernika en llamas, en donde se muestran las atrocidades encargadas por el dictador español Francisco Franco a sus amigos de la ya formada Alemania nazi, que con sus aviones de la Legión Condor probaron su mortal tecnología, a manera de ensayo, y que un año después usarían por toda Europa, destruyendo por completo la ciudad símbolo y emblema del pueblo vasco, un día como hoy.

Aquellas imágenes fueron la inspiración necesaria para agarrar lápiz y papel, y comenzar a pintar, en una etapa cubista y surrealista, del malagueño Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispín Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, conocido mundial mente, y mas fácil, como Pablo Picasso, en su taller ubicado en la rue des Grans Agustins, numero 7, en París.

Se cuenta que en 1940, en una París ocupada por los Nazis, unos oficiales alemanes se enfrentan a Picasso, y viendo unas fotografías del cuadro le preguntan si era él el que había hecho eso. A lo que Picasso respondió: “no, han sido ustedes”.

La imagen que les dejo para este texto la tome al pequeño Guernica que está en mi casa.

Espejitos de la disco

Que hombre no ha soñado ser alguna vez John Travolta en fiebre del sábado por la noche, rodeado de hermosas chicas a sus pies con vestiditos de poca tela y una bola de espejos sobre su cabeza? Esta es la linda historia que nació en 1977 con el boom de las discotecas y la música disco. Pero no todo es como lo pintan.

El verdadero eje de las discotecas fue la popular Studio 54, celebrando hoy su cumpleaños y su muerte, todo en una misma noche, como su propia historia, llena de desenfreno nocturno.

Studio 54, era un antiguo teatro que fue usado como estudio de grabación de la cadena CBS, llamado el estudio 52 en Manhattan. Que al ser vendido pasa a tener el número de la calle donde estaba ubicado.

Comandado por Steve Rubell, abiertamente homosexual y consumidor de cocaína, fue el eje del deprave y el punto de encuentro para los más nobles del estrellato, sus noches estaban llenas de Andy Warhold, Liza Minelli, Bianca Jagger, Truman Capote, Elton John, John Belushi, Margaux Hemingway, Grace Jones y un larguísimo etcétera, cada uno con sus particulares historias intimas, mezclados con algunos afortunados “don nadie”.

Libre al fin, estaba permitido hacer y consumir todo lo que se te cruzara por la cabeza, sus balcones eran rincones del mejor hardcore sexual, homo o hetero. En sus paredes se escondían kilos de cocaína y la decoración de la pista de baile no era la famosa bola de espejitos, sino un mural de la luna de inmensa nariz con una cuchara llena de polvo blanco, el de las estrellas.

En la 54, los espejitos eran para otro uso.

Que helvetica eres!

En los Alpes Suizos, y con un rico fondue en la mesa, fue creada en 1957 la tipografía más universal de la era moderna, de las manos de Max Miedinger para la fundición de tipografías Haas'sche Schriftgießerei ubicada en la ciudad de Basilea. Su diseño está basado en una anterior tipografía llamada Berthold Akzidens Grotesk creada casi 100 años antes. Rediseñada, y con el nombre original de Neue Haas Grotesk, la Helvética es sencilla, moderna, de palo seco o sans serif, convirtiéndose en un icono universal, usada en cuanta superficie existe. Llegando hasta la sala de arquitectura y diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) en donde este mes se abrió la explosión para ella, la cual durara un año en exhibición.

La helvética, es tan helvética, que hasta tiene un película. Que moderna!

Las rosas del dragón

Cuenta la leyenda, entre castillos medievales, caballos, espadas, reyes, princesa y dragones, que el bueno de Jordi, el Santo, pelea contra el inmenso y malvado dragón que tiene retenida a la hermosa princesa de rubios cabellos, y entre llamarada y llamarada, aquel caballero logra vencer al dragón, que moribundo derrama su sangre naciendo de ella rosales como signo de amor y amistad.

Cervantes y Shaskespeare también derramaron su sangre en letras, y un libro con una rosa es la gratitud de ambas historias.

Rojo carmesí

Cuando de niño cambiaba de casa como de ropa interior allá en su Inglaterra natal. Y entre mudanza y mudanza, hurgaba en las gavetas de maquillaje de su madre, poniéndose a jugar con el lápiz labial rojo carmesí favorito de la señora Smith, pintando sus labios para luego, al ser descubierto, intentar borrarlos con el dorso de su mano, quedando más que unos labios perfectos un manchón rojo. Unos segundos después descubrió los delineadores de ojos negros como el carbón, haciendo juego.

Amante de las arañas, o queriendo serlo, en una época en que el under punk oscuro estaba de moda y había que resaltar de los demás, su pelo se transformo como si se tratara de uno de estos animalitos pero de forma gigante. Con su tez pálida de no ver el sol, y mucha ropa negra, Robert estaba hecho y había nacido su Cura, como hoy.

Acompañado con su Mary desde los 14 años, su Love Song particular, poeta musical que a veces es depresivo y otras veces alegre, como la vida misma.

Sólo y el viento

Calentando la butaca del teatro de Rómulo, con mis ojos a medias entre los actores franceses y la powerponiana traducción, obra dadaísta, daliana y surrealista que entendí a medias, o mejor dicho, y quizás, es que mi coeficiente intelectual no rinde para ella, que también es posible.

Entre líneas repletas de palabras que iban y venían como el rayo, pude leer el nombre del poeta descendiente de francófonos canadienses Jean-Louis Lebris de Kérouac, conocido simplemente como Jack Kerouac, hasta sin el acento en la “e”, que comenzó a balbucear sus primeras palabras en ingles algo grandecito en edad, y que fue posteriormente uno de los llamados poetas claves de la Generación Beat, On the Road y sin tregua.

Hace tiempo desde la maraña de la red, logre conseguir un ebook de haikus de Jack, y es la oportunidad para dejarles uno.

"La silla de verano
meciéndose sola
En la ventisca".

Espero que la imagen que tome para la ocasión refleje el poema.

Que barato!

Norma Jeane Mortensen, llego a ser la más sexy y hermosa de las mujeres en los años 50’s capaz de conquistar al mundo con su sensualidad y su figura.

Transformada en Marilyn Monroe, pronuncio esta frase:

“En Hollywood te pueden pagar 1.000 dólares por un beso, pero sólo 50 centavos por tu alma”.

Al alma, siempre le ponen el precio más bajo.

Poesía psicoactiva

Genio y figura, con un cociente intelectual de 149 puntos, muy por encima del promedio, reflejo de los libros que tenia de cabecera, y en los que se pasaba horas y días enteros comentándolos en la universidad como si él mismo hubiera sido el escritor de las palabras de Nietzsche, Blake, Kerouac o Rimbaud cuando apenas tenia 20 años.

Sus poesías sin música, se transformaron mucho después en canciones cuando fue invitado por unos amigos, en plena invasión británica, en su florida natal, a formar como cualquier joven inquieto un grupo musical.

Se interesó en el Chamanismo, el Peyote y las drogas psicoactivas, que hacían expandir sus letras y su pluma.

Escribió 3 libros, que se sepa, de singular poesía, y uno de ellos he logrado conseguir. De este libro les dejo el siguiente poema.

“Cuando los hombres concibieron los edificios,
y se encerraron en habitaciones,
primero árboles y cuevas.

(Las ventanas funcionan en dos sentidos,
los espejos en uno).

Nadie atraviesa un espejo andando
ni cruza a nado una ventana”.

El autor es, James Douglas “Jim” Morrison.

Las hojas tristes

Pasando las horas, abriendo libros y tragando un poco de polvo, te encuentras con cosas que en su momento no le prestastes atención, las dejastes de lado, no le parastes, pero que ahora te ponen a pensar.

Del “libro de las preguntas”, de Pablo Neruda, me puso a pensar esta en especial, que pude vincularla a una imagen que tenia por ahí, en el baúl.

¿Por qué se suicidan las hojas cuando se sienten amarillas?

Agarra tu bolsita pal mareo

Si estas agarrándote fuerte a la silla porque sientes que todo se te mueve, quizás es porque este fin de semana te bebistes hasta el agua de los floreros, o simplemente es porque el ojo no ve lo que tu crees ver, mas bien se diría que el ojo no ve y que solo recibe información que el cerebro decodifica, hasta que es confundido y sientes que necesitas la bolsita pal mareo.

Esta es una de las leyes que en el diseño se estudia, la ilusión óptica, que se puede realizar por contraste, perspectiva, geometría o lo que se llama la teoría de la Gestalt, quedando claro que no todo lo que ves es verdad.

El geométrico dibujante

El hombre del arte geométrico murió hace unos días, pero ahora es que escribo para dejarle su espacio cuadrado.

Lewit es considerado como uno de los artistas estadounidenses más importantes del siglo XX, creador del Minimalismo y del Arte Conceptual. Sea bidimensional o tridimensional, los elementos simples de la geometría son los reyes de la casa para Lewit, apoyados de dos fuertes columnas como el orden y los colores planos, sujetados todos ellos desde un pedazo de papel Bond, hasta murales completos realizados en paredes de grandes dimensiones que al terminar la exposición eran pintados hasta desaparecer, murales efímeros, donde la idea era más importante que la manufacturación, y que solían ser ejecutados por otros y no por Lewit.

Y para que entiendan un poco su obra grafica, les dejo esta vez una imagen creada por él, en vez de hacer un dibujo-retrato pop de su persona.

La serie lleva por titulo “cuadrado de color superpuesto con borde de color”

La mujer que cantaba blues

Fue claro reflejo del dolor del blues, su tragedia y su sentimiento desde que nació hasta su muerte. Nacida el 7 de este mes, como Eleanora Fagan Gough en Philadelphia, se crio en Baltimore y murió en Harlem bajo el nombre de Billie Holiday con apenas 44 años de edad llenos de blues, en todos los sentidos.

Su blues comienza al nacer, con una madre de 13 años y un padre de 15. Padre que desaparece y madre que la deja al cuidado de personas con mala reputación. A la edad de 10 años admite ser violada y a los 12 comienza a prostituirse y fuma marihuana, más blues en su vida, cantando en bares de mala muerte de vez en cuando. Llega al teatro Apollo y comienza a tener una reputación por su voz, aunque tenía prohibido usar la entrada principal de los teatros, para entrar por el callejón y quedarse en un cuarto alejado del público antes de salir a escena a dejar su blues, su vida en blues.

El alcohol y las drogas, ya la heroína, hacen de su blues propio un tormento, sin dejar a un lado el amor que nunca tuvo por completo en su abierta bisexualidad, llegando a ser la amante de un “justiciero” de la mafia en aquellos años 40s. Arrestada gracias a su amiga la heroína, fue inhabilitada para seguir cantando sus blues hasta el día de su muerte.

Billie murió pobre, en la ruina, con apenas 0,70 centavos de dólar en su cuenta bancaria. Murió esposada y condenada acusada por consumir heroína en la cama del hospital, en la misma cama en la que moría de cirrosis hepática, su blues.

El uso de la silicona

En una época, por allá en los años 50’s, en la Caracas de ayer, el polímero de silicio era usado como abrillantador de los muebles de las bodegas o quizás para darle un toque de distinción, un poco de caché, a los cauchos de los Chevys o los Fords.

Aquiles Nazoa, gran poeta y humorista venezolano, que hasta fue expulsado por Pérez Jiménez, escribió este poema, cuando no se podía imaginar el nuevo uso de la silicona para el lejano año 2000.

La Mujer del Futuro

“Un modisto parisino
lanzo el anuncio anteayer
de que el busto femenino
tiende a desaparecer

Las mujeres del mañana
dice el modisto agorero
tendrán la pechera plana
como cualquier caballero

Y añade que las muchachas
que habrá en el año dos mil
serán muchachas mas machas
que cualquier jefe civil

Recia voz, cara amarrada.
su “mula” en el pantalón
y un puño al que no hay quijada
que le aguante un pescozón

Con esas damas sin busto
y empaque tan varonil,
¡que mundo tan de mal gusto
será el del año dos mil!

Menos mal, caro lector
que para ese año bendito
ya no queda ni el polvito
de un seguro servidor”.

Extraído del libro Humor y Amor, publicado en 1970.

El gran oso

El día de ayer se conmemora la muerte agradable, esparcida en el rio Ganges en la India, de las cenizas de Jerome John “Jerrry” García, nacido en San Francisco, nieto de un español emigrado a los estados unidos de norte américa, fundador y líder visible, aunque nunca quiso serlo, de Grateful Dead, la banda hippie por excelencia. El “capitán viajes”, apodo ganado gracias a sus famosos experimentos con ácidos alucinógenos, murió a los pocos días de cumplir los 53 años de edad por un ataque al corazón recostado en una cama del centro de rehabilitación para toxicómanos donde se alojaba luego de una recaída depresiva.

Fue famoso por fusionar para los Deads los sonidos del rock, folk, bluegrass, blues, country y jazz en un mundo psicodélico, desde sus guitarras, incluyendo el difícil pedal steel guitar, y su banjo, sin aquel dedo menos que le corto accidentalmente su hermano con un hacha, cuando en tareas del hogar a la edad de 8 años cortaban leña.

Para los Deadheads, nombre que llevan los fanáticos de la banda que los perseguían por todos los estados unidos en sus infinitas e imparables giras, Jerry es su Dios.

Que neo ni que na’

Desde hace un buen tiempo, de estos revolucionarios, se escucha gracias a algún genio del marketing la dichosa muletilla musical del neofolklore, como si eso fuera un invento tan genial como los de Alva Edison o Marconi, creyendo que se la están comiendo. Por un lado, resulta que lo neo, deja de ser neo antes de terminar de pronunciarlo, porque el tiempo que transcurre alrededor de ese prefijo griego, va muchos más rápido que él. Y por el otro lado, si insistimos en hablar de neoflokore, hay que remontarse a una pila de años atrás, y no solamente de unos pocos años rojos, donde la fusión es real y no pegada con chicle, obligada para cumplir un papel.

Y como dice el refrán de las mercerías, para muestra un botón.

Podemos, y debemos, comenzar con Vytas Brenner, nacido en Alemania pero por cosas de la guerra aterriza en Venezuela a la edad de 2 años. Al crecer, Venezuela es su patria y fusiona el rock progresivo y el jazz de guitarras, bajos, baterías y los populares sintetizadores con arpas, cuatros, culo e´puyas y maracas más tradicionales, a lo que llamo como propuesta musical, La Ofrenda. Su primer álbum es de 1973, La Ofrenda de Vytas, donde aparecen los clásicos Morrocoy y Frailejón. Una año más tarde nos ofrece Hermanos donde podemos mencionar los temas, Agua Clara, Sentado en una piedra del Hatillo, cuando la zona era monte y culebra o Gavilán. Y así podemos seguir sin parar. Neo 70’s.

Gerhard Weilheim, más conocido como Gerry Weil, de Austria y también por la guerra aparece en Venezuela, en donde echa raíces y se nutre de lo venezolano, que junto al Jazz crea las sonoridades para por ejemplo el álbum The Message en 1971, o para la agrupación que bautizó como La Banda Municipal por el año 73. Otro neo 70’s.

En 1972, Chelique Sarabia, ha pedido y por aquello de la investigación musical crea un disco absolutamente avanzado para la época llamado Revolución Electrónica en Música Venezolana, en donde El Pajarillo, Maracaibo en la noche, El diablo suelto, Barlovento, Pájaro Guarandol y unos cuantos temas más, se transforman en la electrónica creada por Robert Moog y sus sintetizadores, pasando todo el folklore a punta de cable, perillas, corriente y plugs. Más neo 70’s.

En Londres, y por aquello de los estudios musicales, los hermanos Spiteri junto a otros venezolanos provenientes de bandas claves del rock pop nacional, forman la banda Spiteri, catalogados por la prensa del país de los Beatles como los santanas ingleses. Su único disco editado en 1973 es pieza de colección para los perseguidores del vinil. En él podemos encontrar los temas Campesina, Piroro o la popular Barlovento. Pa’ que decirlo, pero hay que hacerlo, otro neo 70’s.

Desde la comarca de San Antonio de Los Altos, allá por el comienzo de los 80’s, los hermanos Lizardo, crean el power trio de rockanroll mas importante por aquella época, urbano y de corazón. Hijos de poeta, criados entre eucaliptos, con el 6 x 8 en la sala, no dejan a un lado lo venezolano creando temas como El Negro Luís, Canción al Árbol de Cobre, Señor de la Pomarrosa, o el poema de Orlando Araujo convertido en canción, La Canción del que se va. Publicados estos temas en los discos Por Fin de 1983, Luz y Fuerza de 1984 y Tres de 1986. Neo 80’s y neo 1996 para el Señor de la Pomarrosa, del disco La Misma Gente.

Así que, si no hablamos del pasado del rockpop venezolano, como los ejemplos que les he dejado, que neo ni que na’.